In einem Interview erläutert der Sammler und Modehistoriker Alexandre Vassiliev, wie eine der größten privaten Modesammlungen der Welt aufgebaut wird und wie archivierte Stücke in ihrem ursprünglichen Glanz wiederhergestellt werden.


Mode ist ein Paradoxon - sie ist nützlich und funktional, gefällig und unerhört. Sie ist sowohl ein öffentliches Objekt als auch ein sehr persönlicher Aspekt unserer Persönlichkeit. Sie kann verspielt oder ernst sein, oberflächlich oder voller versteckter Bedeutungen. Sie ist Teil unseres täglichen Lebens, aber auch eine Kunst, die im Laufe der Zeit an Wert gewinnt. Die Ausstellung "Das Paradox der Mode: Mode versus Kunst" im Kampa-Museum überzeugt uns von all dem. Sie verbindet die hauseigene Kunstsammlung mit einzigartigen Modestücken aus der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts aus der gastgebenden Alexandre Vassiliev Foundation. Die Sammlung des Theaterkünstlers und Modehistorikers umfasst über eine halbe Million Objekte und gilt als die größte private Modesammlung der Welt. Vassiliev wurde in Moskau geboren, lebt aber seit 1982 in Paris, wo er begann, Kostüme für Theater und Opern zu entwerfen. In einem exklusiven Interview erzählt er, was Mode heute bedeutet und ob die "Haute Couture tot ist".


Ist "The Paradox of Fashion" Ihre erste Ausstellung in Prag?


Ja, ich habe mich sehr gefreut, als meine Stiftung vom Kampa-Museum eingeladen wurde, die Ausstellung "Paradox der Mode" zu gestalten, die sich in den Kontext der Kunstwerke des Museums aus der zweiten Hälfte des 20. Mein Fonds hat bereits über 250 Ausstellungen organisiert, aber dies ist die erste - und hoffentlich nicht die letzte - Ausstellung in Prag. Das ist eine große Ehre und eine große Freude für mich. Insgesamt haben wir etwa hundert Kostüme und einige Accessoires mitgebracht, die nicht nur im ersten Stock, sondern auch in den oberen Stockwerken ausgestellt werden - dort gibt es bereits Art-Deco-Exponate.


Ich weiß, dass Sie eine der größten Privatsammlungen von Mode besitzen. Was umfasst Ihre Sammlung?


Bis heute zählt die Sammlung über eine halbe Million Stücke - sie umfasst Kleidung, Accessoires, Schuhe, aber auch Kunstobjekte wie Zeichnungen oder Gemälde und so weiter.


Wie lange hat es gedauert, die größte Modekollektion der Welt aufzubauen?


Ich habe fast mein ganzes Leben damit verbracht, ein halbes Jahrhundert. Aber meine Suche ist immer noch aktiv.


Wie beginnt eine solche Sammlung überhaupt? Welches Objekt stand am Anfang, und welches war umgekehrt das letzte, das Sie erworben haben?


Das erste Objekt, das ich für meine Sammlung erwarb, war eine Nikolaus-Ikone aus dem 18. Jahrhundert, die zu meinem Talisman und meinem Amulett wurde, das mich beschützt. Was die Kleidung betrifft, so war ich sechzehn Jahre alt. Damals habe ich eine Zeitungsanzeige aufgegeben, in der ich sagte, dass ich antike Kleidung, Hüte und Accessoires suche. Die Leute riefen mich an oder schrieben mir und sagten mir, wo ich sie abholen konnte, oder sie schickten sie mir. Das war ein Hobby von mir, das mein Vater mitfinanzierte. Er war Theaterdesigner und unterstützte daher dieses Hobby von mir. Während meine Altersgenossen Fußball spielten oder sich Filme ansahen, sammelte ich antike Mode.


Welches ist Ihr wertvollstes oder liebstes Stück aus Ihrer Sammlung?


Ich glaube, ich kann mich nicht auf ein einziges Objekt festlegen. Es gibt viele wertvolle und schöne Stücke in meiner Sammlung, und sie wächst ständig weiter. Mit jedem neuen Stück wird sie vielfältiger und in ihrer Gesamtheit auch wertvoller und interessanter.


Bei der Vase zeigen Sie Stücke aus der zweiten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts, aber Sie haben auch viel ältere Stücke in Ihrer Sammlung. Wie schwierig ist es, solche Stücke zu restaurieren und in gutem Zustand zu erhalten?


Sehr schwierig. Es ist auch schwierig, solche Fachleute zu finden, die ihr Handwerk beherrschen. Ich habe jedoch das Glück, zwölf von ihnen zu finden, und sie sind jetzt ständige Mitglieder meines Restaurierungsteams.


Solche Fachleute sind heutzutage offenbar sehr schwer zu finden.


Ja, das stimmt. Früher haben wir Werbung gemacht, und so haben wir sie gefunden. Im Laufe der Zeit hat sich ein sehr heterogenes Team von Menschen im Alter von 25 bis 80 Jahren gebildet, das nun schon seit über einem Jahrzehnt mit mir zusammenarbeitet. Einige von ihnen sind ausgebildete Fachleute, andere sind Autodidakten, die sich auf eine bestimmte Art von Material oder Technik spezialisiert haben - zum Beispiel Stickerei oder Spitze. Andere arbeiten nur mit schwarzer Tinte, und wieder andere nur mit Perlen.


Wie sieht eine solche Restaurierungsarbeit in der Praxis aus?


Alle diese Menschen arbeiten bequem von zu Hause aus. Einmal im Monat treffen sie sich, um neue Arbeiten auszuhändigen oder ein fertiges Stück einzureichen. Diese legen sie einem Ausschuss von Restauratoren vor, der die Qualität der Arbeit bewertet. Es sollte hinzugefügt werden, dass diese Kommission die Arbeiten nicht immer billigt - es kommt vor, dass sie zur Überarbeitung zurückgegeben werden. Die gleiche Kommission vergibt neue Arbeiten, wenn neue Stücke in die Sammlung aufgenommen werden. Sie werden nicht einfach an jeden verschenkt, der verfügbar ist. Und warum? Weil ich glaube, dass man seine Arbeit mit Freude und vor allem mit Liebe machen muss. Jedes Ding braucht eine Seele...


Sie sind nicht nur Sammlerin und Theaterdesignerin, sondern auch Modehistorikerin. Sie haben mehrere Bücher geschrieben und Vorträge über das Leben berühmter Designer gehalten. Wer von ihnen hat Ihrer Meinung nach das 20. Jahrhundert verkörpert?


Ich bin ein großer Fan von Paul Poiret. Ich denke, er war ein echtes Genie, das die Frauen vom Korsett befreit hat, aber er war auch ein fantastischer Designer - ein Kolorist. Für mich spielt die Farbe in der Mode eine große Rolle. Es gibt ein Stück in dieser Ausstellung, aber meine Sammlung umfasst sowohl seine Parfums als auch seine Gemälde - er begann zu malen, nachdem er sich sozusagen aus der Modewelt zurückgezogen hatte.


Und was das 21. Jahrhundert angeht?


Sehen Sie, wir sind erst 23 Jahre dabei, es ist also noch zu früh, um Schlussfolgerungen zu ziehen. Es ist verständlich, dass in dieser Zeit viel passiert ist - mehrere Wirtschaftskrisen, Pandemien und Kriege, und all das hat sich auf die Mode ausgewirkt. Wir sind auch auf Fast Fashion umgestiegen, die lokal und finanziell zugänglich ist, ähnlich wie das, was alle anderen tragen, und von der wir uns nicht lange verabschieden müssen, wenn sie abgenutzt ist. Mode hat heute nicht mehr die Aufgabe, eine Frau zu schmücken, sie ist nicht mehr der Schmuck einer Frau - stattdessen überwiegen Komfort, Bequemlichkeit, aber auch der Wunsch, Übergewicht zu kaschieren. Vor allem nach der Pandemie.


Welche Funktion hat die Haute Couture heute, da Fast Fashion und Konfektionskleidung sie vollständig ersetzt haben?


Hauptsächlich, um für das Haus zu werben und seinen Namen in der Öffentlichkeit zu halten.


Reicht es aus, wenn Mode "einfach nur schön" ist - ohne Konzept, Symbolik oder manchmal versteckte Bedeutungen?


Das ist eine schwer zu beantwortende Frage. Manchmal reicht "nur" Ästhetik nicht aus, um etwas populär zu machen. Sie hat immer eine Bedeutung oder einen Mehrwert.


Ja, Vetements und Balenciaga unter den Brüdern Gvasali sind der Beweis dafür. Haben Sie nicht den Eindruck, dass sie einen neuen Maßstab für die Haute Couture setzen, die sich heute kaum noch von der Konfektionsmode unterscheidet?


Die Zeiten ändern sich. Die Haute Couture verliert ihre Exklusivität - früher konnte ein Modell in drei Versionen hergestellt werden. Es konnte also nur drei Exemplare eines bestimmten Entwurfs auf der ganzen Welt geben. Die Haute Couture war also nicht nur qualitativ, sondern auch quantitativ exklusiv. Nach den neuen Regeln konnte ein Modell bis zu zehnmal kopiert werden. Das ist die gleiche Anzahl wie bei den Luxusmodellen der Konfektionskleidung. Das ist eine Schande.